話す空間
宋代の風景画の前に立つと、最初に気づくのは、そこに"ない"ものです。広大な白紙のシルクや紙は、場合によっては構成の半分を占め、霧、水、空、または単に...何もを表しません。キャンバスの隅々まで埋めるように訓練された西洋美術の学生には空虚が見えるかもしれません。中国の画家は絵の最も重要な部分を見るでしょう。
この"留白"（liúbái、"留"は"離れる"、"白"は"白"を意味する）という意図的な空間の概念は、中国絵画（国画 guóhuà）の最も特徴的な特徴です。それを理解するということは、二千年以上にわたって発展してきた根本的に異なる芸術哲学を理解することを意味します。
哲学のルーツ
中国絵画は哲学から独立して発展したのではなく、哲学から直接成長しました。道教の思想、特に"器の有用性はその空にある"という道徳経の主張は、中国の芸術家たちの空間に対する考え方を形作りました。絵画の中の空白の領域は不在ではありません。それらは別の種類の存在、つまり"气 (qì)"、つまり万物の中を流れる生命的な息やエネルギーです。
儒教の価値観も伝統を形作りましたが、やり方は異なります。儒教は道徳の育成の指標として絵画を重視しました。君子 jüzƐ は、書道、詩、音楽と並んで絵画の才能、つまり"四艺 (sì yì)"つまり学者の 4 つの芸術に優れていることが期待されていました。絵を描くことは職業ではありませんでした。それは瞑想や倫理的考察のような実践でした。
道教の形而上学と儒教の自己修養という二重の影響により、中国絵画は西洋美術史が"美術"と呼ぶものとは異なるものになりました。それは同時に精神的な修行であり、知的訓練であり、そして社会的パフォーマンスでもありました。 Chinese Calligraphy: The Art of Writing as High Culture に進みます。
風景: 至高のジャンル
西洋美術では、肖像画と宗教的な場面が何世紀にもわたって主流でした。中国では、宋の時代 (宋朝 Sòng Chao、960 ～ 1279 年) 以降、風景画 (山水画 shānshuƐ huà、文字通り"山水画") が最高の地位を獲得しました。
ジャンルの名前はその原則を明らかにします。 山 (sān、山) は陽、つまり堅実、垂直、永続性を表します。 水 (shuiq、水) は陰、つまり流体、水平、変化を表します。すべての風景画は、これらの補完的な力の間の相互作用についての瞑想です。
北宋の偉大な巨匠、ファン・クアン、グオ・シー、リー・チェンは、人間の姿が小さく見えるような記念碑的な風景を創造しました。ファン・クアンの 山と小川の間の旅行者 (西暦 1000 年頃) には、画面の上部 3 分の 2 を占める崖の下に小さな旅行者が描かれています。メッセージは明確です。自然は人類を圧倒します。これは、人間の鑑賞者を視覚世界の中心に置くルネッサンスの遠近法とは逆です。
中国絵画の"仕組み"
中国の風景画では一点透視図法は使われません。その代わりに、美術史家が"浮遊する視点"または"視点を変える"と呼ぶ複数の視点を採用しています。あなたの目は絵の下部から入り、霧と山々を通って上に進み、上部に現れます。これは、ある位置から見たスナップショットではありません。それは時空を超える旅です。
この違いは技術的な制限ではありません。中国のアーティストは遠近法がどのように機能するかを認識していました。彼らは異なる目標を持っていたため、異なるアプローチを選択しました。西洋の風景画は、ある風景がどのようなものかを示しています。中国の風景画は、風景を外から観察するのではなく、風景の中を移動する、つまり風景の"内部"にいるという体験を与えてくれます。
長い絵巻物 (长卷 chángjuiqn) はこれを明確に示しました。張澤端の"清明節の川沿い" (清明上河图 Qīngmíng Shànghé Tú、西暦 1100 年頃) のような巻物は、段階的に展開され、場面がセクションごとに明らかにされることを意図しており、壁に絵を飾るよりも映画に近い体験です。
文人革命
元朝（元朝 Yuán Chao、1271 ～ 1368 年）、モンゴルの支配により、多くの中国人学者にとって政府のキャリアが魅力的でないか、不可能になったとき、絵画は変化しました。 "文人画"運動（文人画 wénrénhuà）は、個人的な表現を支持して、専門的な洗練を拒否しました。
ニー・ザンのような文人画家は、スペクタクルよりもシンプルさを重視した、まばらでドライブラシで描かれた風景画という"当たり障りのない" (淡 dàn) スタイルを意図的に育てました。伝えられるところによれば、ニ・ザンは"胸の中に自然に湧いた感情を表現するために"絵を描いたと語った。この表現は現代的に聞こえるが、ヨーロッパのロマン主義が同様の主張をする500年も前の14世紀になされたものだ。
これは自伝として描いたものです。すべての筆運びが個性を明らかにしました。皇帝 (huángdì) は宮殿のために壮大なプロの絵画を依頼するかもしれませんが、真の鑑定家は文人作品の未完成で個人的な品質を評価しました。
素材と技術
中国絵画は、筆、墨、紙、絹など、書道と同じ材料を多く使用しており、この 2 つの芸術は密接に結びついています。優れた書を書くことができない画家は未完成とみなされていました。多くの絵画には、その構成に不可欠な詩や奥付が刻まれています。
墨 (墨) が主な媒体です。水分含有量を変えることにより、1 つのインク スティックで深い黒から淡いシルバー グレーまで無限の範囲の色調を生成します。 "墨分五色"（mò fēn wƔsè、"インクは 5 色に分かれる"）という言葉は、モノクロの水墨画は限定的ではなく、無限に微妙であるという考えを表しています。
色絵は存在しました - 青绿山水 (qīngl͜ shānshuiqi、"青緑の風景") の伝統では、鮮やかな効果を得るために岩絵の具が使用されました - しかし、インクのモノクロは依然として威信のある媒体であり、単なる技術的スキルよりも学術的な洗練の印でした。
花鳥画
風景のほかに、花鸟画 (huāniƎo hua、"花と鳥の絵") というジャンルも並外れた高みに達しました。これらの絵画は、正確な植物観察と象徴的な意味を組み合わせています。梅の花は忍耐力（冬に咲きます）を表し、竹は誠実さ（曲がりますが壊れない）を象徴し、蘭は洗練を示唆し、菊は秋と退職を思い出させます。
梅、蘭、竹、菊の"四君子"は生徒の標準的な訓練順序となり、それぞれの植物が異なる筆致技法を教えました。
レガシー
中国絵画の影響は東アジア全域に広がり、日本の水墨画（墨絵）、韓国の風景画、ベトナムの芸術的伝統はすべて中国のモデルに大きく影響を受けています。西洋では、中国の美的原則は印象派に影響を与え（ホイッスラーは中国磁器を収集し、非対称の構成を採用しました）、現代美術にインスピレーションを与え続けています。
より深い遺産は哲学的なものです。注目を集めようと競うイメージで飽和した世界において、空虚、抑制、そして語られなかったものの雄弁さに対する中国絵画の伝統の主張は、ますます関連性を感じています。